Гид по Беларуси: идеи для ваших путешествий!

Не только Шагал: художники из Беларуси, которые удивили, восхитили, покорили мир

Белорусская земля стала родиной и вдохновением для поразительно крупного созвездия художников, которым удалось оставить яркий след в мировом искусстве. Одни – глобально знамениты, как, например, Марк Шагал, которого считают своим сразу несколько наций. Имена других менее известны в широких кругах, но в среде ценителей, знатоков, коллекционеров их работы являются подлинными сокровищами.

Возможно, главное о мастерах кисти из Беларуси вы знаете, но наверняка что-то станет открытием.

Чье полотно называют "белорусской Моной Лизой"? Картины каких художников можно было увидеть на национальных банкнотах? Кто из живописцев побывал узником в трех нацистских лагерях смерти и выжил, а потом перенес на холсты самую проникновенную боль и память о бесчеловечности? А кто рисовал игральные карты, чтобы скрасить досуг партизан в их редкие минуты покоя?

Расскажем также и о местах, где можно узнать о художниках больше, увидеть изумительные работы, почувствовать атмосферу, в которой рождались шедевры.

Парящий над городом Марк Шагал

Мовша Хацкелевич Шагал (позднее Моисей Хацкелевич и Марк Захарович) появился на свет в Витебске в ночь с 6 на 7 июля 1887 года. Именно поэтому дата рождения в разных источниках варьируется, но сам Мастер считал своим праздником 7 июля.

С юных лет Шагал проявил необычайную тягу к рисованию и обучался у мэтра еврейского ренессанса Юдэля Пэна. В дальнейшем поступил в Петербургскую рисовальную школу Общества поощрения художеств, которой на тот момент руководил именитый творец и философ Николай Рерих.

Осенью 1909 года произошло, пожалуй, самое важное знакомство в жизни художника – встреча с Беллой Розенфельд, которая стала его единственной любовью и музой. Почти на всех полотнах Шагала в женских образах можно увидеть Беллу, в том числе на самых известных – "Прогулка", "Красавица в белом воротнике", "Над городом".

Кстати, свое имя с Мовши Хацкелевича на Марка Шагала художник поменял, когда в 1911 году переехал во Францию для дальнейшего обучения и развития в искусстве. Авангардист оказался в "Улье" – пристанище, где жили и творили бедные иностранные художники и литераторы. Денег хватало только на самое необходимое – питание и аренду мастерской. Холсты стоили так дорого, что нередко Шагал писал на натянутых на подрамники скатертях, простынях или ночных рубашках!

В сентябре 1913 года Шагал поучаствовал в первом немецком Осеннем салоне, где предложил три картины: "Моей невесте посвящается", "Голгофа" и "России, ослам и другим". После этого талантливого авангардиста из "Улья" стали узнавать, а его картинам стали подражать другие художники. Считается, что именно в те годы экспрессионизм получил развитие благодаря работам Шагала.

В 1914 году художник вернулся в Витебск и создавал новые полотна уже на родной земле. Чуть позже благодаря ему появилось знаменитое Витебское художественное училище, которое открылось 28 января 1919 года. В качестве преподавателей он пригласил в Витебск художников из Москвы и Петрограда. Кстати, вскоре в Витебск приехал и создатель "Черного квадрата" Казимир Малевич. Однако отношения двух ярких представителей авангарда сложились весьма противоречиво.

До конца своих дней Марк Шагал продолжал иллюстрировать книги, писал фрески и создавал витражи для соборов и синагог. По просьбе Андре Мальро, министра культуры Франции, он выполнил роспись плафона в парижской Гранд-опера. Это был первый объект классической архитектуры, который украсил художник-авангардист. Также Марк Шагал создал мозаики для здания Парламента в Израиле и два живописных панно для Метрополитен-оперы в США.

Где узнать и увидеть больше

Сегодня Музей Марка Шагала в его родном Витебске объединяет несколько пространств, посвященных художнику, – Дом-музей Шагала, Арт-центр и Музей истории Витебского народного художественного училища, который расположен как раз на улице Марка Шагала. Кстати, именно в Витебске находится самая большая коллекция графических работ мастера.

Город трепетно хранит память о своем гениальном уроженце, отмечает знаковые даты его жизни интересными мероприятиями (день рождения ежегодно, в 2015-м масштабно праздновали 100-летие свадьбы Марка и Беллы). Национальный академический драматический театр имени Якуба Коласа в Витебске приглашает зрителей на спектакль "Шагал... Шагал..." – этюды памяти по мотивам пьесы "Прямой вагон до Парижа со всеми пересадками".

Национальный художественный музей Беларуси и галерея "Арт-Беларусь" в Минске демонстрируют посетителям работы Шагала из собственных коллекций, однако здесь их не так много, поскольку многие живописные шедевры мастера сегодня хранятся в европейских и крупнейших российских музеях, частных коллекциях.

"Прогулку" Марка Шагала привезут в Минск в апреле 2026 года

Эмоционально-драматичный Хаим Сутин

Хаим Сутин родился в 1893 году в семье бедных евреев в местечке Смиловичи Минской губернии, став десятым ребенком в семье. Он начал рисовать еще в раннем детстве, а в подростковом возрасте, избегая ортодоксального влияния, уехал в Минск, чтобы заняться живописью. Однако его истинной целью всегда оставался Париж.

В 18 лет Хаим Сутин оказался в богемной среде бедных художников "Улья", где он встретил своего соотечественника Марка Шагала и подружился с Амедео Модильяни, который написал несколько его портретов. Существует и примечательная история, как Модильяни однажды изобразил Хаима на межкомнатной двери. Рисунок позже несколько раз пытались перекрасить, оттереть и даже выжечь, но дверь оставалась неповрежденной и в итоге стала сокровищем в коллекции богатого арабского шейха.

Ранних работ Сутина практически не сохранилось – считая непрофессиональными, художник сам уничтожил их. Получая за свои полотна немного, он работал грузчиком, чертежником, натурщиком, декоратором. Сутин жил в нищете до 1922 года, пока не вернулся в Париж после пребывания на юге Франции, привезя с собой около 200 ярких живописных работ. Его творчество начало привлекать внимание арт-дилеров. Картины художника показали на выставке в США, где он произвел фурор – полотнами вдохновились такие мастера, как Фрэнсис Бэкон, Марк Ротко и Джексон Поллок. Сутин стал эталоном экспрессивного абстракционизма.

Художник скончался 9 августа 1943 года в оккупированном немцами Париже. На его похоронах присутствовало всего несколько близких друзей, включая Пабло Пикассо и Жана Кокто.

Сегодня Хаим Сутин считается одним из самых дорогих художников XX века, его картины украшают крупнейшие мировые музеи и галереи, частные коллекции. На аукционных торгах работы Сутина – настоящие сенсации. К примеру, в 2016 году его "Бычья туша" была продана на Christie’s за впечатляющие 28 миллионов 165 тысяч долларов.

До 2012 года в Беларуси не было ни одной картины мастера. Сейчас в стране находятся три работы Хаима Сутина – все в корпоративной коллекции "Белгазпромбанка". На аукционах были куплены "Большие луга в Шартре", "Уснувшая читательница, Мадлен Кастен". А наиболее известной и самой дорогой в Беларуси картиной стала "Ева", которую называют "белорусской Моной Лизой". Это полотно приобрели за 1 миллион 805 тысяч долларов.

Где узнать и увидеть больше

Три подлинные картины художника, а также бронзовый бюст "Портрет Хаима Сутина" авторства Леона Инденбаума экспонируются в галерее "Арт-Беларусь" в Минске в рамках выставочных проектов.

Репродукции работ Сутина можно увидеть в музее "Пространство Хаима Сутина" в Смиловичах. Этот уютный музей предлагает посетителям окунуться в атмосферу жизни художника через стилизованную под парижское кафе экспозицию. Два зала рассказывают о жизненном пути и творчестве мастера. Экскурсии в музее проводятся по предварительной записи.

Третий зал посвящен еще одному известному художнику, который родился в белорусских Смиловичах и получил известность во Франции. В экспозиции "Шрага Цафрин. Возвращение на Родину" представлены в том числе и подлинники знаменитого мастера.

Театрально-пламенный Леон Бакст

Будущий мастер станковой живописи и театральной графики Лев (Леон) Бакст – при рождении Лейб-Хаим Розенберг – появился на свет 27 января 1866 года в еврейской семье. Едва научившись держать карандаш, даровитый мальчик из Гродно начал рисовать. Поскольку Тора накладывала запрет на изображение людей, отец был огорчен, обнаружив рисунки человеческих фигур в работах сына. И все же очевидный талант не вызывал сомнений, поэтому поступление юноши в Петербургскую академию художеств (пусть и в качестве вольнослушателя) стало продолжением творческого пути.

После развода родителей на плечи Леона легла забота о семье. Необходимо было срочно применить художественный дар для заработка, и он нашел работу в качестве иллюстратора детских книг.

Годы спустя Леон Бакст жил в Париже, периодически наведываясь в Санкт-Петербург. Во время этих визитов он создавал превосходные портреты, заслужив репутацию выдающегося портретиста. Кроме того, преподавал в художественной школе Званцевой, где одним из его наиболее известных учеников стал Марк Шагал. Баксту принадлежат изображения целой плеяды известных личностей из мира искусства, включая Вацлава Нижинского, Анну Павлову, Иду Рубинштейн, Клода Дебюсси, Жана Кокто, Андрея Белого и многих других.

В 1909 году Бакст "взорвал" Париж и заявил о себе как невероятный театральный художник. В рамках "Русских сезонов" Дягилева зрителей ожидал балет "Клеопатра". Как только занавес явил сцену, все ахнули, увидев пламенные цвета, роскошные полупрозрачные наряды, нити жемчугов... Наступила эпоха Леона Бакста: Париж не просто испытывал к нему симпатию – он был "подлинно пьян" мастером, а каждый спектакль становилось незабываемым зрелищем. По существу, Бакст совершил революцию в мировом театральном пространстве. Его художественные приемы, новаторская интерпретация античных и восточных тем породили в Европе увлечение тюрбанами, шароварами, кимоно, персидскими узорами и вышивкой. Он стал первым художником-модельером и стилистом: занимался разработкой моделей шляп и обуви, украшений для дамских причесок, рецептур духов, ввел в моду цветные парики и боди-арт.

Бакст превратился в дизайнера с мировым именем, театральные облачения еще при его жизни демонстрировались в Лувре, а гонорар за авторскую лекцию в США в 1920-е годы был больше, "чем за работу масляной картины".

Художник заключил контракты с известными модными домами, надеялся создавать архитектурные проекты, интерьер, мебель, посуду, одежду, ювелирные изделия и даже автомобили. Но к сожалению, не успел реализовать свои планы: в декабре 1924 года он скончался от отека легких.

Где узнать и увидеть больше

Работы Леона Бакста можно увидеть в Национальном художественном музее Беларуси, где хранится коллекция эскизов костюмов и декораций. Они выставляются в рамках тематических проектов, посвященных автору и искусству начала XX века, поэтому стоит заранее уточнить наличие в экспозиции.

В корпоративной коллекции "Белгазпромбанка" находятся семь работ Бакста, представляющие основные периоды и разносторонние творческие интересы. Они выставляются в столичной галерее "Арт-Беларусь".

Виртуоз натюрморта Иван Хруцкий

Выдающийся художник XIX века, живописец, ставший в Беларуси и России первопроходцем на тот момент еще молодого жанра – натюрморта, основоположником и эталоном для целого направления в русском изобразительном искусстве. Иван Хруцкий родился 27 января 1810 года в местечке Улла Лепельского уезда (сейчас Бешенковичский район) в семье униатского священника и шляхтича Томаша (Фомы) Хруцкого.

Уже в юношестве Иван проявил талант творца кисти. Хорошее художественное образование он получил в Полоцком высшем пиарском училище (до 1822-го – иезуитская академия) на факультете свободных искусств, а в 1827 году полный амбиций и надежд живописец уехал в Петербург. Согласно семейной легенде, там он учился у именитого английского портретиста Джорджа Доу. Доподлинно неизвестно, что придворный художник, писавший портреты императора Александра I, фельдмаршала Кутузова, генералов Ермолова и Барклая де Толли, взялся учить сына провинциального священника. Но, вероятно, молодой Хруцкий был подмастерьем, который мог наблюдать за работой портретиста. Одновременно он занимался в Императорской Академии художеств в качестве вольноприходящего ученика, копировал картины в Эрмитаже, а чуть позже стал студентом и учился у таких мастеров, как Александр Варнек, Федор Бруни, Максим Воробьев, Карл Брюллов. Но, бесспорно, собственный талант превратил его в выдающегося мастера, который сделал "второстепенный, несерьезный" натюрморт высоким искусством.

…Современники ценили картины Ивана Хруцкого за их яркость, жизнь, настроение. Даже император Николай I отметил его талант – похвалив и подарив художнику часы на золотой цепочке, велел продолжать творческую деятельность. Это было большим признанием, ведь не каждый мастер получал слова одобрения от монарха. После этого случая заказы посыпались как из рога изобилия. Многие хотели, чтобы именно Хруцкий создал для них картину. Случалось, одна и та же работа появлялась в разных домах, потому что кто‑то захотел такую же. До наших дней дошло восемь версий "Натюрморта с биноклем" ("Плоды и свеча") Хруцкого!

Самой знаменитой картиной художника является "Портрет неизвестной с цветами и фруктами". Некоторое время считалось, что "неизвестная" – это его супруга Анна Ксаверьевна. Однако большинство искусствоведов версию опровергли. Дело в том, что картина создана в 1838 г. в Петербурге, а женился Хруцкий лишь через 7 лет в Беларуси. При этом героиня уже с обручальным кольцом. В разные годы на полотнах Хруцкого встречалась девочка, юная девушка, молодая и зрелая женщина со схожими чертами лица, поэтому более вероятно, что так талантливый брат увековечил сестру. Есть также версия, что это модель, которая позировала и другим мастерам… Тем не менее, спустя многие десятилетия полотно очень полюбилось белорусским филателистам, его фрагменты часто появлялись на марках. А на оборотной стороне купюры номиналом вc(до деноминации) были изображены цветочная ваза и подставка для фруктов – прямо с полотна художника.

Интересно, что Иван Хруцкий оставил потомкам не только свои удивительные натюрморты, но и множество портретов – академичных и реалистичных, написанных для петербургских заказчиков; в стилистике сарматских – для белорусских помещиков; портретов духовенства, когда его покровителем и заказчиком был архиепископ Литовский и Виленский Иосиф Семашко; "условных", какими были его многочисленные портреты неизвестных. Создавал мастер и великолепные пейзажи, занимался интерьерной живописью ("в комнатах"), был иконописцем. Поэтому до сих пор полотна его авторства обнаруживаются в частных собраниях.

Перед смертью художник написал автопортрет в двух экземплярах – для сына и для дочери.

Где узнать и увидеть больше

В Национальном художественном музее Беларуси собрана самая большая коллекция картин Ивана Хруцкого – более 20 произведений. В постоянной экспозиции Художественной галереи Национального Полоцкого историко-культурного музея-заповедника находится "Портрет Адама Мицкевича".

Имя Ивана Хруцкого носят улицы в Полоцке и в поселке Улла Бешенковичского района. Перед зданием Детской художественной школы имени И.Ф. Хруцкого в Новополоцке установлен бюст мастера.

Остановивший время Наполеон Орда

Художник, композитор и пианист, писатель, общественный и культурный деятель – многогранно талантливый Наполеон Орда был яркой личностью своей эпохи. А сегодня белорусы и жители еще многих стран Европы ценят его за невероятное наследие, благодаря которому удается не только увидеть, но и возродить утраченные ценности. Рисунки и эскизы мастера использовались в создании проектов восстановления полностью разрушенных и реставрации стоявших в руинах архитектурных памятников Беларуси, Австрии, Польши, Франции, Бельгии и других стран.

Будущий художник появился на свет 11 февраля 1807 года в имении Вороцевичи Пинского уезда Минской губернии (сейчас – деревня в Ивановском районе Брестской области) в семье инженера-фортификатора. Когда мальчику было два года, отца не стало. Воспитывала Наполеона мать – Юзефина Бутримович, дочь пинского старосты. Во время учебы в университете он активно включился в общественно-политическую жизнь, позже участвовал в восстании и был вынужден покинуть родину.

Находясь в эмиграции, Наполеон Орда много путешествовал по Европе, жил в Австрии, Швейцарии, Италии, а в сентябре 1833 года получил статус эмигранта во Франции и остался в Париже. Благодаря талантам он стал известным в широких кругах европейской интеллигенции, познакомился с выдающимися деятелями культуры, среди которых были Адам Мицкевич и Иван Тургенев, Оноре де Бальзак и Стендаль, Фредерик Шопен, Ференц Лист, Джоаккино Россини, Джузеппе Верди, Гектор Берлиоз.

Путешествуя, Наполеон Орда сделал изумительные циклы рисунков – во Франции и Рейнской области, Испании, Португалии, Алжире. С 1847 года он работал директором Итальянской оперы в Париже, писал музыку и преподавал.

В 1856 году Орда, которому уже было почти 50 лет, вернулся на родину. В Беларуси художник сделал около 200 зарисовок, кроме того, запечатлел множество объектов и на территории современных Украины, Польши, Литвы. Особое внимание он уделил отображению усадеб и памятных мест, связанных с именами известных творцов – Адама Мицкевича, Станислава Монюшко, Владислава Сырокомли и других. Целый ряд рисунков дает представление о белорусской деревне середины XIX столетия. На них народная деревянная архитектура передана с большой достоверностью и сохранением национального колорита. Еще шире в работах Наполеона Орды представлена городская архитектура. В серии рисунков, сделанных в Гродно, Витебске, Минске, Могилеве, Полоцке, Пинске, Новогрудке, Несвиже, Турове и ряде других городов он создал панораму многостилевой каменной застройки XIX века. С поразительной тщательностью Наполеон Орда запечатлел древние замки, многие из которых уже в то время лежали в руинах.

Свои рисунки художник выполнял карандашом, затем дополнял их акварелью, гуашью и сепией. Именно эта техника позволяла Наполеону Орде оперативно и наиболее точно отображать архитектурный пейзаж в условиях путешествия. Мастер выбрал для себя также один формат бумаги – лист длиной около 30 см, наклеенный на планшетку.

Самая известная современникам работа Наполеона Орды – Несвижский замок Радзивиллов. Этот рисунок появлялся на почтовых марках и на белорусской купюре 100 000 рублей (до деноминации).

Художественное наследие Наполеона Орды – это более 1150 (!) акварелей и графических работ. Благодаря этому удивительному мастеру мы сегодня имеем представление, как выглядели многие архитектурные памятники и места, которым было суждено исчезнуть.

Где узнать и увидеть больше

Значительная коллекция литографий с рисунков Наполеона Орды хранится в Национальной библиотеке Беларуси, однако большая часть оригинальных работ художника (977 произведений) находится Польше.

Беларусь чтит память о знаменитом художнике и композиторе. Именем Наполеона Орды названы улицы в Минске, Бресте, Гродно и Иваново, где также установлен памятник мастеру. А на его малой родине в деревне Вороцевичи действует Районный музейный комплекс имени Наполеона Орды, который объединяет картинную галерею, музей и восстановленный усадебный дом семьи Орда.

Родовое имение возродилось в том числе и благодаря хозяину, который в общей сложности провел здесь 30 лет из 76 прожитых. Усадебный дом сгорел в огне в 1943 году. Уцелевший фундамент в 2004-м обнаружили археологи, а в 2009-м началось восстановление – согласно рисунку Наполеона Орды и сохранившемуся в архивах Гродно инвентарному описанию 1835 года. Сейчас в усадебном доме можно увидеть рабочий кабинет и мастерскую Наполеона Орды, комнаты мамы художника Юзефины Бутримович и его племянницы Хелены Скирмунт, портретную с изображениями семьи, гостиную, буфетную, столовую и комнату шляхты.

Космический пророк Язеп Дроздович

За талант и поразительную широту интересов его называют "белорусским Леонардо да Винчи", сравнивают с Рерихом и Циолковским. Художник и скульптор, литератор, историк, философ, учитель, медик, путешественник, этнограф и фольклорист, археолог, хиромант, астроном-любитель и основатель белорусской теоретической астрономии – Язеп Дроздович стал удивительным человеком своей эпохи. А еще – непризнанным пророком, который смог опередить время и предвосхитить научные открытия будущего.

Родился Язеп Дроздович 13 октября 1888 года на хуторе Пуньки (сегодня – Глубокский район) в бедной шляхетской семье. В двухлетнем возрасте остался без отца, его и пятерых братьев воспитывала мать Юзефа. В 1906 году юноша начал учиться в Виленской рисовальной школе, где преподавал известный передвижник Иван Трутнев. Молодой Дроздович много трудился, творил, а познакомившись с издателями белорусских книг, впервые заявил о себе как о художнике, оформив сборник стихов Констанции Буйло "Курганная кветка " и другие издания.

Многогранный, сопереживающий, интересующийся буквально всем на свете и размышляющий вне границ – он занимался тем, что считал важным, несмотря на любые трудности. В годы Первой мировой войны Язеп Дроздович служил фельдшером, и, став свидетелем многих страданий, мечтал: "И придут времена, когда большая часть жителей нашей планеты откажется от участия в войнах. И всю технику, и достижения наук потратят не на проливание крови, а на обратное. На поддержку жизни..." 

Свои способности и энергию Язеп Дроздович направлял именно на это. В Минске он преподавал рисование, работал иллюстратором книг и театральным декоратором, как археолог изучал русло древней Немиги, проводил раскопки в Заславле и Свири… Позже отправлялся в научные экспедиции по всей Беларуси, собирал фольклор (записывал народные песни, пословицы, диалекты), изучал быт крестьян, делал великолепные графические зарисовки (образцы зодчества, предметы, колоритные портреты жителей), участвовал в раскопках славянских городищ… В 1926-м создал студию-мастерскую при Виленской белорусской гимназии, где объединял молодых мастеров. И неустанно писал картины, прозу, занимался наукой.

Дроздовича считают основателем исторической живописи в белорусском искусстве. Целый калейдоскоп полотен и графических работ он посвятил выдающимся героям прошлого. Например, одним из первых обратился к личности Франциска Скорины, представив его жизненный путь от юноши из Полоцка до восточнославянского первопечатника. В ярких сериях Язеп Дроздович создал образы правителей – полоцких князей Рогволода, Всеслава Чародея, смоленского князя Романа Ростиславовича.

В 1930 году начался самый необычный период в творчестве Язепа Дроздовича – "космический". Художник создал более 100 живописных и графических работ, посвященных Вселенной и собранных в три масштабных цикла: "Жизнь на Луне", "Жизнь на Марсе" и "Жизнь на Сатурне". Это стало настоящей революцией в белорусском искусстве, так как никто из мастеров еще не затрагивал подобную тему. Своей безграничной фантазией Дроздович "возвел" на других планетах целые города с оригинальной архитектурой, создал таинственные ландшафты, изобразил "жителей" Марса, "сатурнян" с пронзительными круглыми глазами... Мысли о космосе поглотили мастера. В 1931 году свои научные взгляды он представил в книге "Нябесныя бегі", которая стала первым изданием по астрономии на белорусском языке.

Еще одна яркая грань творчества Язепа Дроздовича, который не мог жить на одном месте – расписные ковры-"маляванки". Странствуя от деревни к деревне, он брал работу "для хлеба": рисовал крестьянам нарядные "дываны", среди которых не было двух одинаковых. Под его кистью на тканых коврах возникали замки и храмы, распускались причудливые цветы, оживали звери и сказочные герои. Многие хозяйки хотели иметь в своем доме ковер "дядьки Язепа".

Обладал он и даром скульптора, резчика по дереву. В умелых руках Язепа Дроздовича появились резные изображения Богоматери, святых, ангелов, барельефы-портреты. Странствуя, он делал также трости оригинальной формы, изумительные деревянные ларцы.

Несмотря на то, что Дроздович оставил большое и многогранное наследие, умер он в 1954 году безызвестным и непонятым. Но его мысли-фантазии, смелые художественные образы, научные взгляды оказались поразительно пророческими.

В 1930‑е, когда к власти в Германии пришел Гитлер, Дроздович написал картины "Дух зла" и "Дух тьмы", предвидя беды, которые обрушатся на мир. В рукописях 1930 года подробно рассказывал об "астральных путешествиях" на Луну, Марс и Венеру, а в 1937-м сделал подробные чертежи многоступенчатого космического корабля. В годы Великой Отечественной войны в оккупированной Беларуси написал свой последний фундаментальный труд по астрономии – "Теорию движения в космологическом значении", впервые изложив концепцию, близкую к позднейшей теории черных дыр. Всего через 5 лет после смерти Дроздовича под руководством Сергея Королева был запущен первый искусственный спутник Земли, после чего полетел в космос Юрий Гагарин, а затем люди ступили на Луну...

Кстати! В 1943 году Язеп Дроздович написал свой знаменитый автопортрет "Триглав", изобразив себя, наподобие индуистского божества, в трех ипостасях: художника, астронома, изучающего устройство Вселенной, и мыслителя-философа.

Где узнать и увидеть больше

Сегодня большинство "космических" картин Язепа Дроздовича можно увидеть в Национальном художественном музее Беларуси. Рисованные ковры представлены в Музее белорусской маляванки в Заславле.

В Троицком предместье Минска установлен небольшой, но очень "красноречивый" памятник Язепу Дроздовичу – странствующему художнику, философу, поэту, сновидцу. Перед прохожими предстает широко шагающий бородатый человек с посохом в руках, над ним – крона бронзового древа, в которой угадываются различные образы словно из мыслей мастера.

Художественно-этнографический музей имени Язепа Дроздовича в агрогородке Германовичи (Шарковщинский район) хранит более трех десятков оригинальных работ Дроздовича, включая графику и пейзажи, а также ксерокопии фантастических повестей художника.

В городе Глубокое на Аллее знаменитых земляков установлен бюст Язепа Дроздовича, а на месте бывшего хутора Пуньки, где родился художник, установлен памятный камень.

Странница с красками Алена Киш

Сегодня имя белорусской художницы включено во "Всемирную энциклопедию наивного искусства", искусствоведы ставят ее в один ряд с такими мастерами, как Анри Руссо и Нико Пиросмани, а дилеры крупных арт-платформ оценивают стоимость работ в десятки тысяч долларов. Но при жизни ее считали чудачкой – "не от мира сего".

Алена Киш появилась на свет в 1896 или 1889 году в местечке Романово (сегодня – агрогородок Ленино Слуцкого района) в крестьянской семье. Известно, что ее отец был человеком творческим, мастеровитым, и все дети вслед за ним любили рисовать, что-то делать руками. А у Алены это получалось исключительно оригинально.

Девушка без специального художественного образования стала самоучкой со своим собственным уникальным стилем, и в наше время признана самобытным белорусским художником-примитивистом XX века.

Когда белорусская деревня жила в тяжелых условиях разрушительных событий первой половины XX века, Алена Киш и Язеп Дроздович создавали свои вдохновляющие шедевры на обычных домотканых полотнах, которые служили холстами-фонами. Странствующая художница носила с собой краски и обходила дома в поисках заказов на рисованные ковры – маляванки. Чаще всего хозяева оплачивали ее труды кто обедом, кто ночлегом.

У маляванок мастерицы было три ходовых сюжета: "Рай", "Письмо к любимому" и "Дева на водах". Считалось даже, что "Письмо к любимому" приносит удачу в браке. Но саму художницу ожидала печальная судьба. В Советском Союзе начали производить ковры в промышленных масштабах, и творчество талантливой странницы оказалось ненужным... Не имея новых заказов, Алена Киш зачахла и в 1949 году ушла из жизни.

Лишь в 1978 году спустя почти три десятилетия после смерти Алены Киш ее маляванки были показаны на Первой республиканской выставке народных расписных ковров в Минске. Коллекцию работ собрал художник Владимир Басалыга, который еще в детстве увидел расписные ковры Алены Киш и не мог забыть. "На стенах в домах родственников я постоянно встречал похожие истории: львы, необычные птицы, деревья. Ковры, как солнце, освещали дом днем и ночью. Глядя на них, мне казалось, что я попал в сказку. А мне даже приснились изображенные персонажи. Очень часто видел их во сне, и шел им навстречу". Владимир Басалыга ездил по деревням и забирал заброшенные работы прямо с чердаков и чуланов. Когда исследователи искусств и художники СССР обратили взгляд на творчество народных мастеров, расписные ковры Алены Киш стали настоящим открытием.

В наши дни творчество Алены Киш вызывает большой интерес как невероятно яркий пример инситного искусства. Феномен белорусской маляванки и в целом белорусский наив становятся предметом пристального внимания со стороны коллекционеров и ценителей аутентичных шедевров. Сюжеты оригинальной белорусской художницы используют дизайнеры одежды и интерьеров. В 2019 году талисманом проходивших в Беларуси II Игр стран СНГ стал Рысик: и этот персонаж также "вышел" из творческих фантазий Алены Киш.

Где узнать и увидеть больше

В историко-культурном музее-заповеднике "Заславль", который объединяет главные достопримечательности древнего города, открыт единственный в стране и, по сути, уникальный Музей белорусской маляванки. Именно здесь собрана богатейшая коллекция аутентичных рисованных ковров. Залы постоянной экспозиции представляют оригинальные работы Алены Киш и Язепа Дроздовича, а в зале временной экспозиции гости могут увидеть ковры еще целого ряда самобытных авторов.

Лирический Витольд Бялыницкий-Бируля

Выдающийся пейзажист XX века, которого называли "белорусским певцом русской природы", один из последних передвижников, академик Императорской академии художеств и действительный член Академии художеств СССР… Витольд Бялыницкий‑Бируля вписал свое имя в историю белорусского, русского и мирового искусства. На его полотнах редко появлялись люди, животные, птицы, но "привычную" красоту окружающего мира он возвел в абсолют.

Жизнь Витольда Бялыницкого-Бирули была долгой (85 лет!), однако и драматичной. Он родился в 1872 году в фольварке Крынки недалеко от Белынич Могилевской губернии. С юных лет мальчик рисовал, но родители отправили его учиться в кадетский корпус. И все же любовь к искусству победила. Живший в Москве брат Витольда показал рисунки известному художнику Иллариону Прянишникову: тот настолько впечатлился, что дал рекомендацию поступать в знаменитое Московское училище живописи, ваяния и зодчества. 17‑летний Витольд так и сделал! Его учителями были сам Прянишников и другие звезды художественной Москвы – Николай Неврев, Сергей Коровин, Василий Поленов.

Прямо на студенческой выставке работу Бялыницкого‑Бирули "В окрестностях Пятигорска" приобрел известный меценат и коллекционер Павел Третьяков. Молодой художник побежал в галерею убедиться, не шутка ли это. А позднее вспоминал: "Узнав о цели моего посещения, Павел Михайлович ответил улыбкой: "Поднимитесь наверх и посмотрите, хорошо ли висит ваша картина". Не веря своему счастью, я вбежал по лестнице и увидел, что моя картина висит среди произведений больших художников…"

Талантливый живописец из-под Белынич и сам стал большим художником. В 1911 году его картина "Час тишины" получила почетную медаль в Мюнхене и бронзовую в Барселоне. А вскоре и еще одно удивительное полотно – "Зимний сон" – принесло Бялыницкому-Бируле бронзу на Международной выставке в Барселоне. Предельно лаконичная композиция, минимум средств выражения, почти невидимый мазок, и при этом невероятная эмоциональная проникновенность стали его секретом.

На берегу озера Удомля Тверской губернии Бялыницкий-Бируля построил свою знаменитую усадьбу "Чайка", с которой связана большая часть его личной, творческой и общественной жизни. Когда над "Чайкой" нависла угроза экспроприации, мастер превратил свой любимый дом еще и в художественную школу для крестьянских детей. Здесь он много творил сам и встречался с выдающимися коллегами-художниками (Левитаном, Жуковским, Степановым и другими), а как искусный охотник нередко принимал известных партийных и государственных деятелей. Рассказывают даже, как однажды местные лесорубы зимой случайно подняли медведя из берлоги и обратились за помощью к живописцу, так как шатун не давал им работать в лесу. Витольд Каэтанович проблему решил! Ходит легенда о 47 застреленных им медведях. Кстати, художник писал и великолепные охотничьи рассказы.

Каждое утро еще до завтрака Бялыницкий-Бируля непременно начинал с работы над этюдами. Вероятно, в том числе благодаря настолько обязательному отношению и любви к живописи ему удалось создать богатое творческое наследие – около 2 тысяч работ.

В 1936-1937 годах художник написал знаменитые виды пушкинских мест, создавал пейзажи Ленинских Горок, Ясной Поляны, усадьбы Чайковского.

После многих лет, проведенных в Тверской области, летом 1947-го мастер приехал на родину. И за короткое время успел создать около тридцати картин, этюдов и эскизов, посвященных послевоенной Беларуси. "Сейчас, когда я снова увидел родные места, столь пострадавшие от нашествия врага, мне с еще большей страстью хочется перенести на полотно чудесный облик возрождающейся страны," – написал он.

В 1948 году произошла трагедия, которая глубоко потрясла 76‑летнего художника: в озере рядом с "Чайкой" утонула его дочь – актриса Любовь Бируля. Вскоре мастер перенес инсульт и оказался частично парализован. В 1957 году Бялыницкий‑Бируля скончался. Он хотел быть погребенным рядом с дочерью у озера, но Академия художеств приняла другое решение. Тело народного художника БССР и РСФСР с почестями похоронили на Новодевичьем кладбище в Москве. В последний путь залпом из ружей его проводили и охотники.

Где узнать и увидеть больше

Национальный художественный музей Беларуси хранит крупнейшую и наиболее репрезентативную коллекцию произведений Витольда Бялыницкого-Бирули: более 460 этюдов и законченных полотен в основном фонде, а также около 160 работ в научно-вспомогательном.

В Могилеве находится филиал Национального художественного музея – "Музей В.К. Бялыницкого‑Бирули". Кстати, это первый в Беларуси мемориальный музей, посвященный жизни и творчеству художника. Родной дом мастера в деревне Крынки недалеко от Белынич не сохранился, поэтому было решено открыть музей (1982) в уютном могилевском особняке XVII века.

Художественный музей имени В.К. Бялыницкого-Бирули появился в 2020 г. в Белыничах – еще ближе к малой родине художника, в городе, который он прославлял своей известностью и доставшейся от предков интригующей составной фамилией.

Влюбленный в Минск Май Данциг

Полвека он преподавал в театрально-художественном институте (сейчас – Белорусская государственная академия искусств), заведовал кафедрой живописи и был настоящим гуру для студентов. За ним записывали цитаты-афоризмы: "картиной надо забеременеть", "не люблю оттенков", "пусть лучше человек будет буйный, чем спокойный"… И при этом с невероятной интенсивностью Май Данциг работал в мастерской как художник, создав более 500 полотен – ярких, мощных и даже дерзких, способных впечататься в память навсегда.

Май Данциг родился 27 апреля 1930 года в Минске – в семье, где все своим примером способствовали развитию талантов и смелых творческих устремлений. Его отец – Вольф Данциг – был не только известным в столице человеком, преподавателем физкультуры и одним из первых крупных педагогов молодой советской республики в области спорта, но и художником-любителем. Более того, несмотря на большую профессиональную занятость, он занимался в студии художника Якова Кругера, где в одни годы с ним учились будущие звезды Парижской школы Хаим Сутин и Михаил Кикоин. Мама – Бася Яковлевна Каган – писала стихи, без устали организовывала детям культурную программу. Дед – Герц Данциг – еще в дореволюционном Минске владел маленькой типографией и оказался единственным, кто взял на себя смелость тайно отпечатать первый тираж большевистской газеты "Звязда".

В детские годы Май Данциг учился и в общеобразовательной школе, и в музыкальной при консерватории (!), куда принимали лишь самых одаренных. Но даже любовь к скрипке не могла затмить его особую страсть – к рисованию.

Великая Отечественная война перечеркнула все планы. В полном раненных красноармейцев составе семья чудом выбралась из Минска за день до оккупации. Оказавшись в Ульяновске, пережила голод и многие трудности. Первый "гонорар" запомнился юному художнику на всю жизнь: продавщица хлебной лавки на рынке попросила сделать табличку "Ларек №3", за которую мальчик получил самое ценное в голодное время войны – целую буханку хлеба. Позже заказы для ульяновских фабрик – вывески, плакаты к праздникам – приносили семье еду и одежду.

После освобождения Минска Данциг вернулся домой – в сильно разрушенный, но несломленный духом город. Окончил Минское художественное училище, затем – знаменитый институт имени Сурикова в Москве. И возвратившись, с головой погрузился в жизнь родного Минска.

Свой город Данциг любил, как никто другой. Он помнил его до войны, видел в пожарах 1941‑го и в руинах 1944‑го. А потому с восторгом наблюдал, как белорусская столица возрождается – растут дома, ширятся улицы и проспекты, тянутся вверх молодые деревья. С этюдником он ходил по городу, вопреки всем правилам влезал на высотные недостроенные здания, чтобы увидеть городскую панораму с высоты птичьего полета. И писал, создавая один за другим пейзажи неповторимого Минска: "На бульваре", "Растут новые кварталы", "Старый и новый Минск", "Верхний город" и многие другие. Городской и промышленный пейзаж, крепкие рабочие люди, энергия и полнокровная жизнь – то, что привлекало Мая Данцига, создававшего свои удивительно яркие и сочные полотна.

С 1960‑х он начал обращаться к теме Великой Отечественной войны – потребовались десятилетия, чтобы осмыслить то страшное время, и показать, как люди противостояли беспрецедентному злу. Всесоюзную славу Маю Данцигу принесла "Беларусь – мать партизанская" (1967), через год появилась столь же эпичная и монументальная "Партизанская свадьба". А вскоре – "Партизанская баллада", навеянная "Отцелюбием римлянки" Рубенса. В образе женщины, кормящей грудью раненого бойца, художник видел Родину-мать, вскормившую своих защитников. Но это поняли и приняли далеко не сразу.

В 1974 году Май Данциг написал "Вечный огонь", первым запечатлев на холсте этот значимый и символичный для миллионов образ. По сути, художник внес в белорусское искусство новое осмысление войны и трагизма ее последствий. И не только Беларусь заметила, как пронзительно Май Вольфович "рассказывал" о войне: в 2015 году огромной аллегорической картиной "И помнит мир спасенный…" открывалась посвященная Второй мировой выставка в лондонской галерее Саатчи, куда мечтают попасть все художники планеты. Писал ее мастер около 10 лет.

Где узнать и увидеть больше

Картины Мая Данцига можно увидеть в Национальном художественном музее Беларуси, а также в Белорусском государственном музее истории Великой Отечественной войны.

Творивший... на сердце Михаил Савицкий

Уникальный человек и мастер советской живописи Михаил Савицкий выдержал испытания, которые под силу не многим. Он прошел через огонь фронта и ужасы концлагерей, но выжил, потерял близких, но не сломался и продолжал творить, став выдающимся художником ХХ века.

Он родился в 1922 году в деревне Звенячи на Витебщине (сейчас – Толочинский район), с юных лет проявлял талант к рисованию и мечтал писать картины. Но пришла война. Еще в первые дни троих старших братьев призвали на фронт, следом за ними ушел и Михаил – единственный, кому суждено было вернуться… Он участвовал в героической обороне Севастополя, блокированного фашистами с моря и с суши. Сражаясь до последнего боеприпаса, раненный и обессиленный, еще в 1941-м оказался в немецком плену.

Михаил Савицкий прошел через лагеря Дюссельдорфа, Бухенвальда и Дахау. Чудом остался в живых: освобождение союзниками произошло 29 апреля 1945 года – в то время, когда он после семнадцатидневного пребывания под арестом за организацию побега угасал в тифозном бараке. В общей сложности в фашистских лагерях смерти художник пробыл 2 года и 9 месяцев. Но несмотря на негодность к службе по здоровью, Савицкий добился, чтобы его оставили в Красной армии, и служил до 1947 года на территории Германии и Венгрии.

Лишь после этих испытаний ему удалось посвятить себя искусству. В 1951 году поступил в Минское художественное училище, затем окончил Суриковский институт в Москве. Очень скоро Михаил Савицкий стал, без преувеличения, художником номер один в национальном изобразительном искусстве.

Михаил Савицкий считал своим долгом выплеснуть на холст все, что увидел и пережил на войне. Созданной в 1963 году картиной "Партизаны" он сразу заявил о себе как об одном из крупнейших мастеров "сурового стиля". Далее появилась его невероятная "Партизанская мадонна" (1967), которая наиболее полно воплотила философско-творческое кредо мастера и особенности его художественного метода. В основе композиции лежит известная картина эпохи Возрождения Рафаэля "Сикстинская мадонна", только вместо библейских персонажей художник изобразил людей, ставших свидетелями чумы ХХ века. Вскоре после создания полотно было куплено Государственной Третьяковской галереей. "Партизанская мадонна" экспонировалась на многих международных выставках – в Италии, Канаде, Англии, Венгрии, Германии, Румынии, Японии, Монголии. В 1978 году Савицкий написал "Партизанскую мадонну (Минскую)".

Среди известнейших работ мастера – "Казнь" (1969), на которой прототипом главного образа – седовласого старца – стал отец художника. Интересно также, что на протяжении всей жизни Михаил Савицкий ходил в рукотворных косоворотках, сшитых матерью: признавал только их и свитеры с водолазками, а если нужно было выйти "в люди", поверх надевал темный пиджак.

Однажды товарищ, с которым Савицкий совершал побег из Дюссельдорфа, спросил у уже состоявшегося мастера: "А ты написал что-нибудь про это?" Так появился один из самых трудных и знаменитых циклов в творчестве художника – "Цифры на сердце". Это 16 проникновенных картин, наполненных символизмом и одновременно документально точных – рассказ о беспрецедентной жестокости и ужасах, творимых нацистами в концлагерях.

В своем творчестве Савицкий разработал новую концепцию гуманизма – гуманизм человека, пережившего войну, который понимает цену человеческой жизни и осознает, как хрупок мир. Это стало манифестом художника: никогда нельзя забывать о самой страшной катастрофе человечества – войне, которой всегда противопоставляется жизнь.

Спустя годы мастер монументальной живописи обратился к еще одной трагической теме ХХ века не только для Беларуси, но и всего мира – Чернобыльской катастрофе. Серия "Черная быль" (1987–1992) из 10 полотен, где показаны человеческие страдания и безысходность, удостоена золотой медали Академии художеств БССР.

В 1972‑м Михаилу Савицкому было присвоено звание народного художника БССР, пять лет спустя – народного художника СССР. Еще в дни обороны Севастополя молодого Савицкого дважды представляли к ордену Красного Знамени и один раз к медали "За отвагу", но пребывание в плену… обнулило этот героический счет. Только в 1985-м победивший саму смерть Савицкий получил орден Отечественной войны II степени. А в 2006 году народный художник, представивший миру столь поразительный взгляд на пережитое Родиной и человечеством в ХХ столетии, был удостоен высшего звания страны – Героя Беларуси.

Где узнать и увидеть больше

Сегодня работы художника выставлены в музеях Беларуси, России, Болгарии и других стран. Большое количество осталось на Родине, ведь сам Савицкий имел принципиальную позицию – наотрез отказывался продавать свои полотна в частные коллекции.

В сентябре 2012 года в Минске открылась Художественная галерея Михаила Савицкого, в которой собраны многие картины художника. Здесь же воссозданы интерьеры его мастерской и рабочего кабинета. Больше узнать о жизни и творчестве художника можно также в Толочинском историко-краеведческом музее, где хранятся и экспонируются личные вещи мастера.

Живописец Полесья Гавриил Ващенко

Народный художник Беларуси, "Человек года" (1992) и "Человек ХХ века" (1993) по версии Международного биографического центра Кембриджа, "Человек года" (1994) по версии Американского биографического института, впечатляющий мастер, наставник, творец, сделавший расправившего крылья аиста символом сначала родного Полесья, а затем и всей Беларуси… Гавриил Ващенко, бесспорно, стал яркой личностью не только белорусского, но и мирового искусства.

Он родился 20 июня 1928 года в деревне Чикаловичи Брагинского района на Гомельщине в крестьянской семье. С самого детства видел красоту родного полесского края и метаморфозы природы в разные поры года, наблюдал за мамой, которая была искусной вышивальщицей и "рисовала" на простом полотне нарядные узоры, подмечал художественные особенности старинных икон в домах полешуков. Вероятно, в будущем это и помогло определить судьбу. Но сначала случилась война!

Родную деревню фашисты сожгли, а семья Ващенко чудом выжила после облавы: их уже вели на казнь, как вдруг немецкий отряд получил срочный приказ о "новом задании" и убивать пленников оказалось… некогда.

Совсем еще юный Гавриил нашел убежище в партизанском отряде. Тогда он и представить не мог, что станет большим художником, но, оказалось, в самое трагичное время применил свой талант – рисовал самодельные игральные карты для минут отдыха лесных бойцов, а также гораздо более серьезные карты, которыми пользовались партизаны, отмечая местоположение гитлеровских войск. После войны именно с этими "произведениями" юноша отправился поступать в художественное училище – внезапно, не ожидая сам от себя! Ведь изначально собирался идти в железнодорожники, где студентов обеспечивали общежитием и пайком. Но случайно в газете увидел объявление о наборе в Киевское училище прикладных искусств. И без сомнений поспешил туда, даже несмотря на то, что город был разрушен, спать приходилось в актовом зале, где, случалось, студенты замерзали насмерть, а мизерный хлебный паек не спасал от голода.

Спустя годы эпизод детской партизанской биографии стал источником сюжета для знаменитой картины "Баллада о мужестве", изобразившей партизанский лес как крепость, с высоты птичьего полета. За нее Гавриил Ващенко получил серебряную медаль имени Митрофана Грекова.

В возрасте 29 лет Ващенко стал членом Союза художников СССР. К тому моменту он жил и работал в молдавском Кишиневе, но на его картинах по-прежнему главными были образы и цвета родного Белорусского Полесья. При первой же возможности в 1961 году вернулся в Минск. На родине многогранно творил сам и почти четыре десятилетия был наставником в главном художественном вузе страны, воспитав целую плеяду мастеров.

Своими полотнами живописец высказывал невероятную любовь к Родине и восхищался ее красотой, писал об удивительном Полесье и полешуках, много работ посвятил событиям прошлого и историческим фигурам. Например, золотой медали на ВДНХ удостоилась эпохальная картина Гавриила Ващенко "Мое Полесье", на которой кружат его знаменитые аисты…

Художник стал и первопроходцем в монументальном искусстве Беларуси: его значимыми проектами стали росписи во Дворце культуры Светлогорска, Доме учителя и кинотеатре "Москва" в Минске. И именно Гавриил Ващенко спас от сноса и переделок знаменитый столичный Красный костел. Когда здесь находился склад киностудии и планировалось перестроить здание в Дом кино, художнику предложили разработать интерьер и создать витражи. Их он посвятил теме кино, сделав "розы" напоминающими фотообъектив, а в цветовой гамме соединил цвета флагов союзных республик. И так восхитил всех по-новому засиявшей красотой, что костел решили не сносить. Причем в этой работе Гавриил Ващенко постарался быть настолько деликатным и универсальным, что витражи остались жить и когда храм вернули верующим.

…По-настоящему черными для Гавриила Ващенко стали день и дальнейшие последствия большой трагедии – аварии на Чернобыльской АЭС. Огромная часть Беларуси и его Полесья, в том числе родная деревня, оказались в зоне отчуждения… И боль художника прорывалась в его впечатляющих картинах – "Радиация", "Чернобыльский реквием", "Звезда Полынь", "Мать-мученица", "Беда", "Чернобыльские яблони"…

Где узнать и увидеть больше

Сегодня работы художника находятся в коллекциях 28 крупных музеев мира. В 2002 году в Гомеле открылась постоянно действующая Картинная галерея Г.Х. Ващенко. Основу экспозиции составили 70 живописных работ, акварелей и эскизов, переданные в дар городу самим художником.

Загадочный Александр Исачев

С Речицей связана судьба одного из самых загадочных и необычных художников Беларуси XX века – Александра Исачева. Родился будущий мастер в деревне Озаричи (Калинковичский район) 11 января 1955 года. В Речицу вместе с матерью переехал в трехлетнем возрасте.

Талант художника проявился еще в детстве. Первые уроки мастерства Александр получил в Мозыре, затем учился в Минске в специализированной школе для одаренных детей, где выделялся особым талантом, а его работы участвовали в выставках детских рисунков в том числе за рубежом. Но после четырех лет обучения его… отчислили за нарушение правил – перекрасил волосы в рыжий цвет. В 18 лет Исачев уехал в Ленинград, где влился в среду художников-авангардистов.

Тогда оформился его самобытный стиль в технике лессировочного письма – последовательного нанесения тончайших живописных слоев, количество которых могло достигать десяти и более. Причем каждый слой требовал тщательной просушки от двух недель до полутора месяцев, поэтому Исачев работал над несколькими картинами одновременно. За короткое время в городе на Неве он создал сотни картин, участвовал в выставках, его работы охотно покупали зарубежные коллекционеры.

Спустя время вернулся на родину, где продолжал творить, создав свой удивительный мир-мастерскую в квартире многоэтажки в Речице. Помимо живописных произведений и графики, Александр Исачев создавал иконы, расписал храм в Мозыре.

К сожалению, художник прожил только 32 года: 5 декабря 1987 года Александр Исачев скончался прямо во время работы за мольбертом. Остановилось сердце…

После себя Александр Исачев оставил более 500 живописных полотен и тысячи графических листов.

Почти за месяц до смерти в Речице открылась выставка, где впервые публично демонстрировались его работы. Экспозиция вызвала неподдельный интерес у горожан, ее посетили 20 тысяч человек. Для мастера это было признание. К сожалению, Александр Исачев не застал продолжения своего успеха уже в столице. После его смерти в мае 1988 года в минском Дворце профсоюзов выставлялись 32 картины художника. Экспозиция буквально стала сенсацией – люди многие часы проводили в очередях, чтобы своими глазами увидеть необычные работы. Всего выставку посетили более 200 тысяч человек.

Где узнать и увидеть больше

В настоящее время работы Александра Исачева в свободном доступе можно увидеть только в картинной галерее Речицкого краеведческого музея. Здесь хранится пять живописных полотен: "У источника", "Гадание на шаре", "Учитель", "Магия" из серии "Владыка", "Андрей Первозванный". Там же выставлены 25 графических произведений. В январе 2015 галерее присвоено имя Александра Исачева.

Большая часть картин Исачева находится в музеях и частных коллекциях в странах Западной Европы, Ближнего Востока, США, России, Беларуси.